上個月在香港最多人討論的一個關於漫畫的話題，可能就是漫畫作者「一個人」的其中一個作品《一個關於藍海的故事》，內容大概是關於兩個漫畫家小明和大明，大明努力鍛練畫功，但發現畫功好的人大有人在，最後實現不了夢想。而小明「將重心放在內容，放棄了畫功」（原文），結果作品意外地受歡迎。雖然賺不了多少錢，可是總算實現了夢想。
結果作品引來不少讀者和他支持者的留言罵戰，當中有些香港漫畫家和插畫家也有參與討論。關於他作品的對與錯，網上的留言討論已經有很多，有些人說「一個人」這作品是看不起所有用心練習繪畫的人，可是在當中的討論我很少看到關於所謂「點子」與「畫功」究竟如何平衡（可能因為有人說他的作品根本不是漫畫？），還有它們之間的關係，這反而是我最關心的。
「點子」，可以是主題、角色設定、故事劇情、世界觀等等（《荒木飛呂彥的漫畫術》，漫畫「基本四大構造」），你可以像《爆漫。》的高木秋人那樣把劇本設定用文字寫在一頁頁的原稿紙上。可是漫畫可不是小說，漫畫這媒體最獨特和吸引人之處，在於分鏡和畫面的表現力。
普遍日本漫畫也是上至下，右至左閱讀（歐美漫畫左至右），而隨著科技與媒體的變化和進步，出現了為手機而設的「條漫」（上至下），甚至是加入了動畫的「動態漫畫」。可是核心也是一樣，就是用各種不同的分格畫面，根據作者獨特的編排令讀者以適當的時序去閱讀（詳細可參看《漫畫原來要這樣看》一書）。
可能你會說，一格格去繪畫簡單的人或物，說到故事或意念就可以啦。可是你要細想，要表現你腦海中的點子，有效的運用分鏡、角色肢體動作與背景構圖，絕對是非常非常的重要。要說經典井上雄彥的《SLAM DUNK》，山王之戰最後的數十秒，沒有對白加上鏡頭調度與角色動作的仔細計算，表現出緊張萬分的比賽情節。如果沒有高超的畫功描繪，那出來的結果可能好像是觀眾坐在山頂席上觀看比賽差不多。
當然，有時候這也會因應題材或風格而有不同的畫功需要，例如蒲生洋的《行運超人》，因為本身是輕鬆爆笑系，最緊張的可能就是看永丸一洋黑的慘事，作者不時用到普通的水平線鏡頭觀看一眾主角的對答，因為作品有不少文字對白，反而作者會仔細描繪各個角色在同一格做著不同的搞笑事情。另一多字的漫畫代表，大場鶇、小畑健的《Death Note》，情況就很不一樣了，因為這是認真鬥智鬥力的漫畫作品，畫風絕不能太過簡單，此外因為作品也有眾多資訊要記錄或是解釋給讀者知道，如果只靠文字的話只會變成小說，小畑健把大場鶇的簡單分鏡改頭換面，變成更有趣更有迫力的鬥智場景。其中我最喜愛的一幕就是 L 與夜神月打網球的一段，其實只是兩人普通揮拍再加內心互相猜測，可是小畑健就把它處理成溫布頓決賽一樣緊張刺激。
漫畫作者當然可以因應自己的畫功去配合想繪畫的作品題材，可是再好的點子也要有一定的畫功，否則這只會令你的作品視野更為狹窄，點子再好也無力表現。相反如果你有一手好畫的話，作品題材選擇自然更多樣化。例如有一本經典的動物主題漫畫，田中政志的《岡 GON》，主題是關於一條力大無窮的小恐龍「岡」，在大自然中與不同的動物的搏鬥生活（間中也有溫馨的情節）。田中政志畫力超凡，漫畫分格中沒有文字，只有栩栩如生的動物們在森林中大打出手，四處破壞，充滿迫力。如果你沒有一定的畫功，根本連開始畫這作品也不行吧？
不過，這世界也許只有一個人是例外，那就是冨樫義博⋯⋯但只不過，他的畫功本身已經很好，加上有著深厚的分鏡和說故事的能力。
最後我想說的是，如果你「將重心放在內容，放棄了畫功」，其實同時間也放棄了內容。點子與畫功，缺一不可。
