抄襲／參考／臨摹／致敬／二創

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之前分享了古塔つみ（Cotoh Tsumi）的新聞，這在網絡上也引起了各種討論，所以在此也希望說說自己對此的看法。

首先，我相信這不是數學，並沒有絕對的對與錯，法律上若控告對方很多時最後也是商討和解。加上我相信如插畫師、攝影師、漫畫家、法律人士等人，不同身份對此也有不同觀點角度。所以下文全要是作為「讀者」的我之觀點出發，我認為到最後，最重要的還是對參與人士的觀感與印象。

「抄襲」
「參考」
「臨摹」
「致敬」
「二創」

有些人說繪畫很多時就要參考其他實際物件啊、那事物本身存在這世界上啊我參考有甚麼問題。沒錯，繪畫要參考實際物件是很自然不過的事情，這也是傳統的素描寫生。不過要注意，「放置一件實際物件，繪者坐下來對著繪畫」與「看著相片內放置一件實際物件，繪者對著相片參考繪畫」是不同的，因為拍照者本身已是創作者，他如何設置物件擺放的位置、光源、取鏡角度和最後剪裁 ，也是創作的一部份，這也構成一張平面作品內最重要的核心——構圖。

攝影我們大概先分成三個情況：

1）隨意拍攝 snapshot
2）為特定目的擺放事物／模特兒／背景等拍攝的藝術作品
3）商業攝影

1 可以沒甚麼設置，很隨性（當然可以有高手是做了很多設置在背後但盡量 tune down）；2 和 3 相對上需花費更多創意、時間心力和金錢，例如概念構思、選擇模特兒、Styling、附加裝飾、背景物件設置、人物化妝、打燈光源、特效，以至剛才提到的重心構圖及後期 retouch 特效等等，也是創作者的心血，並不是所謂「按快門一下就行了」（in cantonese 「㩒嗰制啫」as u always heard of）。另外，1、2、3 也同時可作私人或公開用途，而 3 相信多是作公開用途。

以上想說的是，所謂「參考了相片」其實也有使用了該作品的元素，可以是參考構圖，可以是參考背景設置，可以是參考光源參考，又或是參考其他元素。說到底，會選擇那張相片作為取材，也是建基於對該作品的價值認同（如純粹參考物件也常有）。如果是這樣，客觀地給予該作品一個具體肯定也是個基本責任。

例如和月伸宏《浪客劍心》單行本中，會收錄作者本人寫下詳盡的主要角色創作概念（單行本最好的地方之一），比古清十郎自帶強風吹起的浮誇披風，原形來自 Todd Mcfarlane 主創的美國漫畫《SPAWN》主角紅色招牌披風。我也是因為這樣而認識了 Spawn，雖然認識不深但我很喜歡他們的畫，也因此買了不少 Cover art figure⋯⋯（媽的）（是很漂亮沒錯）

因此，作為讀者的身份，我每次看到比古大人的披風也會想起 Spawn，但不會對此反感，也不會覺得有抄襲，因為他已老實告訴我（讀者）他的創作過程，我會視之為「參考」。

而臨摹／描圖就如書法字、練習簿那樣，把相片放在底層再用燈箱描線（電繪就用半透明圖層之類），相信兒時有嘗試過抄漫畫圖的朋友也定會試過。這可說是接近不需練習，又能以最高速度達到最佳效果的繪畫方式。完成後拿走底層圖片後，頂層畫作就是你親筆繪畫的手稿，如不知道原圖的人，甚至會誤以為是你獨創的構圖手稿⋯⋯不過這也多是用作自 high 或練習之用罷了。

「致敬」的情況比較複雜，可以比喻成談戀愛時的「曖昧」狀態，有時希望對方知道、假定對方已能猜到一二、有時又怕做得太明顯而破壞了氣氛、有時又怕做得不夠明顯對方感受不到⋯⋯

致敬時具體情況有兩個，其一是致敬對象本身已是行內、行外均人所共知的經典，就如大家常舉的例子——大友克洋《AKIRA》動畫版，金田與電單車打橫急煞一幕，不知有多少套動畫或漫畫致敬過了～因為對象本身已十分著名，所以前設已假定觀眾定會知道這是致敬；又例如山口飛翔《藍色時期》的漫畫版頭，漫畫的角色擺出各大歷史名畫的構圖動作，因為這已假定了大家知道此漫畫作品的背景，還有漫畫家本身也是修讀藝術的，所以也假定讀者知道這是致敬。其二是創作者 A 已在訪問或 Social Media 說過自己很喜歡創作者 B，所以往後即使在 A 的某些作品內出現了 B 作品的元素，也可假定粉絲們會知道這是致敬⋯⋯

要做到哪一步因人而異，但當然也曾有情況——大家也假定了創作者 C 向較著名的創作者 D 的作品致敬（因為 D 比 C 出名很多），但後來 C 在訪問內竟說「沒留意 D 的作品」、「完全沒有致敬的意思」？所以說「致敬」可以十分複雜或曖昧⋯⋯也是高手的遊戲世界。同時「二創」也是近似，不過較接近 fans art 形式，或通常會明言二創的對象、作品，而且多數是近年出現的作品。最近的出色例子有 TAKUMI™ 的插畫，那就是「致敬」《最後的晚餐》，同時「二創」諫山創《進擊的巨人》。

最後是「抄襲」，我個人認為，理論上只有一個情況是 100% 確認是抄襲——

創作者有抄襲的意圖，或創作時有抄襲的意識。

除此之外，也只會出現不同人有不同觀感的情況，沒有人可以有最終定論。

說回古塔つみ的情況，描圖的情況已接近是不爭的事實，左右鏡像倒轉常有，對象亦不只是相片，還有畫作。而最令我驚訝是牽涉畫作數量之多，以及明明有很多可以改變的空間，如簡單的姿勢或構圖，卻仍選擇和相片一樣，這是令我最難以理解的部份，好像沒有經過思考似的。我之前也有留意她的畫作，也喜歡她的用色，如上所說最終是個人觀感的問題，加上有意刪除其他創作者的留言或涉事圖片。如果覺得沒問題的話，那為何不保留？所以看到消息後是感到失望的。

應該說，我沒有資格批評她，但我不明白為何她會有這選擇。

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外露與深化的功夫

如果要數學化我個人的量度尺，那會是：

有三個以上相似的元素，對我來說那觀感就偏向抄襲。

例如是：

1）元素 A > 構圖一樣？那可能只是大家選擇一樣。

2）元素 B > 用色一樣？那可能是巧合。

3）元素 C > 小物件一樣？是巧合⋯⋯

元素 D > 細節和光源一樣？呀⋯⋯不會吧⋯⋯

這是我量度的方式。

臨摹／描圖，如只是自己練習，不對外發表也沒甚麼問題。不過她可是擁有twitter：11 萬、IG：29 萬 followers 的畫師，這些圖平時也會在她的 Social Media 發佈，也會放在畫集發售（目前已停止發貨）。有些網友會認為那雖是免費觀看，但也會令她的 like 數增長（呃 like），某程度也算商用，所以有網友感嘆這情況是不是為了追逐網上流量而衍生的問題，這點也值得大家深思。

作為讀者，最終最主要也是觀感問題；同時作為創作者的她，也要有面對大眾的自覺。

同一時間，你回想一下，你為何會覺得金政基厲害？

因為他不用起稿？甚麼東西也在腦內？是天才無誤？

我不知他是不是天才，但有幸看過他的畫作，加上最重要是他不時也有教授影片，內裡出現的不是那些招牌不起稿畫作，而是實實在在由人體結構出發，背景透視線一一解釋清楚，你就知道他是下了無法想像的苦功，不斷反覆練習研究才會有這成果。而繪畫的最基本練習——素描就是為此存在，先令你熟習繪畫工具，再觀察了解眼前事物的結構，畫多了蘋果那外形自然會印在腦內，就如畫師常畫的角色、臉形或是簡單手形，基本上是背書那樣似的。

所以看製作過程總是很有趣，也很重要。

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漫畫和插畫，創作內容的多寡

再來是大家提到荒木飛呂彥、冨樫義博及井上雄彥的情況。

荒木老師與冨樫老師的情況較接近，同樣參照雜誌封面或硬照等等，如以上述的量度的方法，此舉也算有問題的，因為那些相片明顯模特兒動作與攝影師構圖剪裁也有花功夫（後期訪問中荒木老師有提及過參考雜誌，但不知冨樫老師有沒有），不過他們並非直接描圖，衣服和摺痕也不同。

而井上老師的情況有點點不同，參考那些本身是實際比賽相片，球員們並非針對鏡頭擺 pose，而攝影師就捕捉了那一刻。當然，攝影師選擇相片、構圖和裁剪也有他的功夫，但個人認為創意成份和問題嚴重性是較低的。

再來是當年的現實情況，數碼相機、智能電話未出現的時代，要找摸特兒 > 拍照 > 沖哂相片要不少時間，加上還要應付恐怖的週刊連載，所以是能理解。現在要自己拍照再畫相信也非常容易，我也不時自拍動作，作為工作上的參考。

不過，個人認為最重要的，上述三位大師使用相片的對象也是連載版頭，或是漫畫內的打球動作，但老老實實，大家對他們佩服的地方，會不會其實是令人驚喜的漫畫故事、吸引的角色性格設定、引人入勝的戰鬥模式？那些畫只是其中一小部份，而大家最喜歡、最在意的元素是他們原創的。（利申：冨樫老師空白版頭也定會看）

而相對來說，插畫的問題就是畫作沒有說故事編排，所謂「一張畫定勝負」，因此個人對此認知有分別。

以上很久之前其實已想分享，現在剛好有機會就順勢整理一下。

你要記得清楚，當初看到每張喜歡的畫作時，為何對之注目、為何對之讚嘆。

附圖為荒木飛呂彥為 2018 年「JOJO 冒險之波紋」大阪站展覽繪畫的主視覺圖，為了表現 DIO 沈思的面貌，參考了他的偶像——米高安哲羅（Michelangelo）在意大利佛羅倫斯主教堂（Florence Cathedral）的雕塑作品 Tomb of Lorenzo de Medici。

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